'Ruega por nosotras'... y porque no manden el PP y Vox

 

Desde que ‘Ruega por nosotras’ empieza a andar por la pantalla la impresión que suscita en el espectador es el horror y la incredulidad porque lo que vemos pudo suceder en nuestro país no hace tanto tiempo. Inmediatamente se añade una nueva sensación: ¿Pueden volver los tiempos en que las chicas que no se ajustaban al modelo autoritario de sociedad y de familia de la dictadura franquista eran enviadas a centros para reformarlas gobernados por monjas ultramontanas? La respuesta es claramente NO. Pero con un matiz: ¿Qué supondría que lleguen al gobierno de España representantes de partidos que alaban el franquismo y niegan el derecho a recuperar la Memoria Histórica que lo entierre definitivamente?

Esa pregunta queda en el aire a lo largo de los 136 minutos de la última película de Daniel Monzón, una clara advertencia de lo que puede pasar si el 29 de noviembre las urnas llevan a la coalición del Partido Popular y Vox al gobierno de España. ¿Hasta dónde retrocederán la democracia y las libertades y derechos de las mujeres de los ciudadanos?

‘Ruega por nosotras’ nos retrotrae a los estertores del franquismo. Ana (Zoe Bonafonte) tiene 19 años cuando se rebela contra las imposiciones de un padre ultraconservador que tras una fuga nocturna para ir a bailar la encierra en el Patronato de Protección de la Mujer, institución de infausto recuerdo dedicada a devolver al ‘buen camino’ a chicas y mujeres ‘caídas o en riesgo de caer’.

Faltan apenas dos años para que Franco muera y la juventud de Ana se pudre en el ambiente disciplinario brutal a que es sometida por las monjas que controlan su vida. La complicidad de Sole (Manuela Calle) es el asidero que le permite mantenerse a flote ante tanta arbitrariedad e injusticia. Sobre ellas dos se centra el foco de la película en la que también intervienen otras chicas y mujeres con actuaciones de primer nivel. Cuesta no cogerse manía a Adelfa Calvo en su interpretación de la monja que le hace la vida imposible a Ana y a sus compañeras. O simpatizar con los personajes que representan María Cerezuela, Carla Domínguez, Shiara Fernández o María Gandiaga.

'Ruega por nosotras’ se ha documentado a través del estudio de tesis doctorales, documentos de archivo, libros de investigación, documentales y, sobre todo, decenas y decenas de testimonios de mujeres que pasaron por el terrorífico Patronato. La película toma el nombre de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, víctima del Patronato y pionera en las investigaciones sobre él. Ambientada en el período que comprende desde 1974 a 1979, la película coloca al espectador en la piel de una de esas mujeres, para que descubra de forma paulatina, pero atroz, la angustiosa carga de opresión que reservaba el Patronato a cualquier joven que atravesara sus puertas.

Este viernes 6 de noviembre se estrena en los cines de España. Uno se atrevería a pedir que fuese en cuantos más cines, mejor. Sería bueno que el séptimo film de Monzón fuese visto por esos jóvenes que dicen que ‘con Franco se vivía mejor’ o que no tienen reparos en manifestarse cantando gritos franquistas o haciendo saludos fascistas.

‘Ruega por nosotras’ nos recuerda cómo vivían con Franco las chicas que se resistían a pasar por el aro del ordeno y mando de la dictadura política, social y moral. Y que aparte de enfadarlos con lo que vemos en la pantalla tenemos otra obligación ética para evitar que se repita: Votar el 29 de noviembre contra aquellos que se indignarán con que se les recuerde lo que fue la triste noche de la dictadura.  

                   Las dos protagonistas junto al director, Daniel Monzón (Fotos David Herranz)

Saber que no estás solo

‘Esa soledad’, el primer largometraje de Javier Giner, llega este 30 de octubre a las pantallas de nuestros cines. Giner reune a los actores con los que trabajó en la celebrada serie ‘Yo, Adicto’ y los sumerge en un duro relato de la situación en que quedan ambos después de romper la relación que les unió durante cinco años. Oriol Pla y Marina Salas se reparten las dos líneas paralelas por las que circula esta película en la que su director afirma que “busco, quizá, un imposible: atrapar la confusión y lo inasible de la vida. Que el relato acompañe al espectador una vez terminado. Aunque solo sea para saber que no está solo”.

En la película nunca se explica cómo era la relación de Leo y Lorea, las razones por las que terminó o la convivencia común. “Esta soledad” está construida sobre una ausencia que el espectador tiene que completar por sí mismo. Porque lo que realmente explora la historia es la confusión vital, la intemperie emocional y el dolor doméstico (íntimo y silencioso) que llegan tras la ruptura. Ese territorio crepuscular y ambiguo en el que la vida permanece aparentemente igual —las calles siguen ahí, el trabajo continúa— mientras algo fundamental se ha desplazado y el sinsentido solitario se ha adueñado de todo. Ese espacio indefinido en el que ya no eres quien eras cuando el vínculo existía, pero todavía no eres quien vas a ser. Esos momentos en los que las emociones irrumpen sin aviso y muchas decisiones se toman sin comprenderlas del todo, en una urgente y desesperada huida hacia delante para dejar de sufrir. Ese desfase entre el tiempo exterior y el tiempo interior, esa reconstrucción identitaria en conflicto, ese desorden vital, son el verdadero corazón de “Esta soledad”.  

Y quizás ese sea el intríngulis de la cuestión, que pese a la soledad y la tristeza que aflige a los protagonistas el espectador se dé cuenta de que es una realidad que afecta a muchísima gente, quizás a ellos mismos, que la vida, que el día a día es una suma de numerosas soledades.

Giner nos cuenta que “quería situar la película en un Bilbao saturado de estímulos y de tristeza. Un mundo atronador, por momentos caótico. Filmar ese mundo con una imagen perfectamente limpia y estilizada, un diseño de sonido pulcro, habría producido una distancia artificial. Quería, en cambio, que la película se convirtiera también en un receptáculo formal de ese ruido, que en su trama visual y sonora pudiera sentirse algo de la fragilidad, incomodidad y desorden que gobiernan la vida de los protagonistas. No quería que Bilbao funcionara como una postal reconocible ni como un decorado turístico, sino como una presencia física que atraviesa la vida de los personajes. Buscaba una textura concreta: el eco omnipresente industrial, la humedad persistente, la luz crepuscular y fría, la sensación de una ciudad que pesa sobre el cuerpo. Bilbao es un clima emocional que acompaña a los personajes mientras atraviesan su propio duelo”.

Para el director, que ha compartido el guión con Luisa Matienzo, “hay una pregunta que sobrevuela a “Esta soledad” de manera implícita: a menudo nos preguntamos qué nos dan las películas, pero rara vez nos preguntamos qué les damos nosotros a ellas. Sin embargo, el cine no ocurre únicamente en la pantalla: ocurre también en la mirada de quien observa. “Esta soledad” es una invitación al espectador a participar activamente en ese proceso, a reconstruir las conexiones emocionales entre escenas, a completar los huecos que deja el montaje y la narración con su propia experiencia. El espectador atraviesa la película como los personajes: intentando comprender, poco a poco, el sentido de los fragmentos que van apareciendo. En este sentido, me gusta pensar en el público como un coautor emocional de la película: quería que “Esta soledad” existiera de manera distinta en cada mirada y cada experiencia vital”.

Ya lo saben, cuando vayan a ver esta película piensen que tendrán que poner algo de su parte, además de presenciar las excelentes interpretaciones de sus dos principales protagonistas y también las de Gemma Martínez, Kai Etxaniz y Itziar Lazkano. Verán también que, pese a esa triste soledad que abunda en nuestra sociedad, queda un hueco para la esperanza y la ilusión. Pero hay que labrárselo.

‘Esta soledad' es una producción de Fuga de cuerpos, A.I.E., Balance Media Entertainment, La Embajada TV y Basajaun Filmak. La película cuenta con la colaboración de Filmax y la participación de Filmin y RTVE, además de la financiación del ICO, Sego Finance, Gesbro y Brosh.

 

Detesto a los malditos nazis, pero ¿qué soy yo?

 

‘NAZA’ se estrena en los cines de nuestro país el próximo 9 de octubre después de su gran acogida en los festivales de Venecia y San Sebastián. En el primero se llevó el premio del jurado y 25 minutos de aplausos tras su pase. En el segundo recibió el premio del público a la mejor película extranjera. Es evidente que seguirá cosechando premios y aplausos allí donde concurse o se proyecte. La valentía de sus directores -Yuval Abraham y Rachel Szor- se merecen eso y mucho más.

Abraham y Szor ya conocen lo que es el reconocimiento internacional. Obtuvieron el año pasado junto a codirectores palestinos el Óscar a la mejor película documental con ‘No other land’. Ahora se han atrevido, en coordinación con el periódico británico The Guardian, a poner al descubierto los asesinatos de civils cometidos por el ejército de su país. De eso va ‘NAZA’.

‘NAZA’ es un acrónimo militar hebreo que se refiere a los daños colaterales cometidos en los ataques y bombardeos en los que mueren civiles. La película está construida en base a entrevistas a veinticuatro oficiales y soldados de la Inteligencia militar israelí que aceptaron hablar con la condición de que permanecerían en el anonimato más absoluto. Todos participaron en la vigilancia o eliminación a distancia de civiles palestinos en Gaza. Su físico y voz fueran alterados digitalmente para esconder su identidad. Pese a esas distorsiones, uno teme que el aparato militar y de espionaje del gobierno de Israel puede identificar y castigar a los que divulgan las atrocidades cometidas contra la población civil palestina.

Por otro lado, los directores son quienes más han arriesgado en este valiente documental. Las amenazas de muerte les han llovido desde su país. Y son para tenerlas en cuenta, conociendo quien dirige Israel y esa acción militar contra Palestina, que uno de los entrevistas no duda en calificar de genocidio.

Las dificultades para realizar ‘NAZA’, que se puso en marcha poco después del terrible ataque de Hamàs en Israel que supuso el asesinato de casi 1.200 personas y el secuestro de otras 250, las explican así sus directores: “La campaña de bombardeos en Gaza, considerada como una de las más letales de la historia moderna en cuanto a civiles abatidos, empleó a personas que trabajaban en unidades militares secretas. Nos llevó meses localizar a las personas adecuadas, que a su vez tardaron mucho en aceptar hablar a cámara. En el ejército hay una descentralización del deber: cada oficial es responsable de una parte de la cadena de destrucción, y las consecuencias de una operación se reparten entre varias personas, incluso unidades. Por eso no bastaban unas cuantas fuentes; era necesario encontrar al menos veinte. También debimos tener en cuenta la seguridad, ya que el ejército no les había autorizado a hablarnos y arriesgaban mucho al hacerlo”.

“Detesto a los malvados nazis, pero ¿qué soy yo?”, se pregunta uno de los entrevistados desde la oscuridad de la noche en la terraza de un edificio desde el que se divisan las luces de Tel Aviv.

Y explican así la razón de realizar este documental que marcará sus vidas: “A finales de 2023, después de la matanza perpetrada por Hamas el 7 de octubre, vimos cómo los líderes de nuestro país, con el apoyo de la prensa tradicional y gran parte de la población, normalizaban la idea de un genocidio de la población gazatí: en Gaza no viven civiles inocentes, únicamente “animales humanos” que no merecen vivir. Comprendimos rápidamente que estas ideas ya se traducían en acciones militares. Lo más correcto era rodar una película en torno al sistema y a sus entresijos, ya que esos crímenes los cometían personas de nuestra sociedad en nuestro nombre. Creemos que la película muestra que la masacre de civiles en Gaza no es solo una consecuencia indirecta de la guerra, como han dicho numerosos medios, sino una acción premeditada, calculada e intencionada surgida a partir de decisiones israelíes”.

“La verdad acerca del horror en Gaza era obvia para muchos, y en nuestra opinión debería haberlo sido para todos desde el principio del ataque por parte de Israel gracias a los testimonios de palestinos que se atrevieron a documentar su propia destrucción, a veces pagándolo con su vida. Pero vivimos en un mundo que tiende a no creerse a las víctimas y a restar importancia a los testimonios, y eso nos impulsó a buscar testimonios desde dentro del sistema que atacaba. Ojalá esto haga más difícil negar el crimen perpetrado y que sigue perpetrándose hoy”, concluyen Yuval Abraham y Rachel Szor.

Ojalá.

                                 Yuval Abraham y Rachel Szor

Violencia de la guerra civil y sufrimiento del colectivo gay

La película de Javier Calvo y Javer Ambrossi (los Javis) “La Bola Negra” se estrenará en los cines españoles el 25 de Setiembre. La película viene precedida de su pase triunfal en varios de los festivales más prestigiosos y ha sido aclamada por los académicos y público en general que han podido verla ya en pases especiales.

“La Bola Negra” se proyectó en la 79 edición del Festival de Cannes donde obtuvo el premio a la Mejor Dirección y acaba de ser seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en la categoría de Mejor Película Internacional en la próxima edición de los Premios Óscar, que se celebrara en los Ángeles en 2027. También ganó el Premio del Público del Festival de Toronto y ha sido recibida con entusiasmo en su presentación oficial en el Festival de San Sebastián.

“La Bola Negra” está inspirada en la obra inacabada del mismo título de Federico García Lorca, así como en la pieza teatral “La piedra oscura” de Alberto Conejero. La acción transcurre en tres momentos históricos distintos, 1932, 1937 y 2017, y explora las vidas entrelazadas de tres hombres que viven su homosexualidad en el contexto de esos momentos.  

La película cuenta con un largo cartel de sólidas interpretaciones entre las cuales, Guitarricadelafuente (en un papel central para el desarrollo de la historia), Carlos González, Milo Quifes y Miguel Bernardeau y cuenta además con Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glen Close en roles especiales. Alberto Cortés interpreta, en una breve aparición, el papel de Federico García Lorca.

 

El título se refiere al rechazo de la solicitud de ingreso en el Casino de Granada a un joven homosexual mediante una bola negra, pero no hace solamente referencia a la obra sin terminar de Lorca, sino que ilustra el dolor que, a través del paso del tiempo, sufre un colectivo marginalizado como es el homosexual. En una entrevista reciente los Javis se reconocían como muestra de ese dolor ya que se separaron mientras escribían esta película.

“La bola negra” está rodada con amplios medios, una excelente fotografía y un elaborado fondo musical en apoyo de una potente historia que ilustra claramente la violencia de la guerra civil y el sufrimiento histórico del colectivo gay a través del tiempo.

 Fotos: Julia Carballada y Carla Oset 

Mr.Josep

‘Forastera’, el prometedor paso de un corto a largometraje

 

‘Forastera’ duraba 19 minutos cuando Lucía Aleñar Iglesias lo dirigió como un cortometraje y se estrenó en numerosos festivales internacionales. Este 11 de setiembre, lo veremos en las salas de cine reconvertido en los 97 minutos que dura en su versión largometraje. Es el prometedor salto de esta madrileña a la dirección de un primer largometraje que deja un sabor agradable y hace prever una carrera brillante.

Tres barceloneses -Zoe Stein, Lluís Homar i Núria Prims- centran la atención de estas vacaciones de la protagonista en un paradisíaco entorno mallorquín. El cruce de los idiomas  catalán y castellano, con algunas incrustaciones del inglés, no se hace extraño y la directora lo justifica porque considera que le confiere naturalidad a los personajes y entiende que la lengua es un elemento más de transformación.

Como era de esperar, Homar está impecable y Zoe Stein le da fuerza al personaje que ya interpretó en el corto estrenado hace seis años. Junto a ellos hay que señalar la labor de Marta Angelat, Martina García y el sueco Nonni Ardal.

Aleñar explica así por qué decidió rodar esta ficción: “La historia nace de una inquietud que me ha acompañado desde hace tiempo: esa sensación desconcertante cuando alguien te confunde con otra persona, más aún si esa persona está muerta. Me interesaba explorar cómo esa percepción —ese “ver al otro en uno mismo”— puede afectar a alguien, sobre todo en el contexto del duelo y la adolescencia. No es una historia autobiográfica, pero sí parte de una emoción compartida. Forastera es también una exploración sobre la búsqueda de identidad en una edad en la que todo está por definir, a través de Cata, una adolescente que encuentra en su abuela fallecida un referente, una energía que la empieza a habitar. A través de ella, quería hablar del juego, de la imaginación y de cómo estas herramientas pueden ayudarnos a lidiar con la pérdida, a conectar con los demás y a transformarnos”.

‘Forastera’, que acaba de inaugurar el Atlántida Mallorca Film Fest, llega avalada por el Premio Pilar Miró a la Mejor Nueva Dirección Española en la Semana Internacional de Cine de Valladolid y el de la Federación Internacional de Críticos de Cine en la sección Discovery del Toronto International Film Festival. Se estrena el 11 de setiembre.

Cuenta con un equipo técnico en el que encontramos a la directora de fotografía Agnès Piqué (La imatge permanent), la montadora italiana Paola Freddi (Reinas, Monica), los compositores suecos Anna Von Hausswolff i Filip Leyman (The Most Beautiful Boy in the World), la directora de arte Gala Seguí (The Human Hibernation), el jefe de vestuario Pau Aulí (Polvo Serán), la jefa de sonido Nora Haddad (Una quinta portuguesa), las diseñadoras de sonido Ulrika Akander (Bridgerton, Transformers One), Therese Gylfe, Tove Lidman (The Dog), el ayudante de dirección Dani Torrejón (Quest) y la directora de producción Bàrbara Ferrer (El ventre del mar).

Es una coproducción entre España, Italia y Suecia, donde participan las productoras catalanas Lastor Media, Vilaüt Films, Presenta, Deliris, las productoras baleares La Perifèrica Produccions y Bastera Films, la productora italiana Kino Produzioni y la sueca Fox in the Snow. 

Cuenta con la participación de 3CAT, RTVE, IB3, Filmin y el apoyo de ICAA, ICEC, Creative Media Europe, Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura, Swedish Film Fund, Fundació Mallorca Turisme, Consell de Mallorca, Mallorca Film Commission, Artekino, Göteborgs Stad.

                                                Lucía Aleñar Iglesias, directora de 'Forastera'

Imaginación y provocación al servicio de la causa gay

 “Jim Queen” es una película que no puedo recomendar para quienes siguen encallados en el mundo antiguo de familias heterosexuales que aún conciben la homosexualidad como algo enfermizo, fuera de la normalidad. Nicolás Athané y Marco Nguyen nos pintan un mundo gay en el que, de repente, un misterioso virus, Heterosis, afecta a esa comunidad. El virus convierte en heterosexuales a los hombres gays. Esa enfermedad pone en estado de schock a esa comunidad. Solo un doctor puede conseguir el antídoto para frenar esa evolución y vemos como Jim Queen, un ídolo físico del mundo gay afectado por el virus, intenta localizar a ese médico para detener el proceso.

Música y animación se combinan acertadamente para mantenernos enganchados a la historia cuyo protagonismo comparten Jim Queen y Lucien, el hijo de una ministra del gobierno francés que se resiste a confesarle su evidente homosexualidad.

En el Festival de Cannes supuso una agradable gran sorpresa. Llevaba muchos años cocinándose. Así lo explica Simon Balteaux, uno de sus coguionistas: “Cuando empecé a escribir el guion, hace siete años, tenía 35 años y por fin me sentía bien conmigo mismo. La primera idea era destacar la vida gay mediante una sátira en la que se daría la vuelta a todo. Empezaron a salir chistes sobre los heteros, pero eran tonterías. Nos dimos cuenta de que implicaban preguntas sociales muy interesantes, aunque todo seguía siendo bastante inocente. Pasaron los años hasta el estreno de la película y me di de bruces con la realidad cuando en Senegal se aprobó una ley para reprimir la homosexualidad. De golpe, los chistes ingenuos se convierten en políticos. Y no es buena señal, incluso es flipante; significa que somos militantes a nuestro pesar. Solo queríamos reír un rato con el hecho de que los heteros viven de una forma y nosotros, de otra”.

Nguyen considera que la película llega en un momento oportuno: “Siento que hay una creciente invisibilización de los personajes gay o queer: recortes de subvenciones, relegación en las plataformas… Nada de eso existía cuando empezamos con el guión, entonces estábamos en una fase inversa. Es verdad que puede despertar la polémica, pero nuestra intención es positiva, buscamos una buena convivencia con una buena dosis de humor que espera ser irresistible. Creo que el humor es la mejor arma para hacer frente al mundo de hoy”.

Es evidente que a asociaciones de ultraderecha como Abogados Cristianos no les gustará, pero a la gente con la mente abierta y ganas de construir sociedades tolerantes les resultará interesante ver “Jim Queen”. Lo podrán hacer a partir del próximo viernes 4 de setiembre.  

Cronos. Un puñetazo de dolor, emociones y buen cine

 

Este 17 de agosto se cumplieron 9 años del atentado en La Rambla de Barcelona cuando, pocos minutos antes de las cinco de la tarde, una furgoneta bajó a gran velocidad desde su parte superior, en plaza Catalunya, atropellando a las personas que paseaban por ella. Fue un atentado terrorista que conmocionó a la ciudad y al mundo, con el balance de 15 muertos y cerca de 300 heridos. Los mossos d’esquadra pusieron en marcha un dispositivo llamado Cronos para evitar que el terrorista huyera de la ciudad.

Cronos no pudo contener al asesino, que escapó por la avenida Diagonal tras atropellar a una pareja de mossos que ejercían un control en esa vía a la salida de la ciudad. Cronos fracasó en ese dispositivo y Fernando González Molina lo reproduce en la excelente película que lleva ese nombre y que se estrena en las salas de cine el próximo 4 de setiembre.

Todos los barceloneses recordamos donde estábamos a la hora en que se produjo el atentado. Yo había quedado con una amiga un poco más tarde en el bar Zurich, a unos pocos metros del lugar por donde entró a La Rambla la furgoneta que causó la tragedia. Ver la película nos devolverá la vivencia que tuvimos en aquel momento. González Molina reproduce lo que pasó con la perfección con que la ha reconstruido el guionista Alberto Marini a partir del árduo trabajo de documentación de los periodistas Nacho Carretero y Arturo Lezcano.

A la credibilidad de esa reconstrucción contribuyen en gran medida los responsables de la producción de Cronos. Así lo describen ellos mismos: “Cronos ha sido un proyecto de una complejidad poco habitual, tanto por su dimensión logística como por la enorme responsabilidad ética que implicaba abordar un acontecimiento real, reciente y profundamente doloroso para la ciudad de Barcelona: los atentados de agosto de 2017. Desde el inicio, el objetivo compartido por todos los departamentos fue construir una representación honesta, humana y respetuosa de los hechos, evitando cualquier forma de sensacionalismo y situando siempre a las víctimas y a la comunidad en el centro del relato”. No fue fácil rodar en unas Ramblas siempre llenas de gente, pero lo consiguieron y para quienes las recorremos a menudo y vivimos de cerca el atentado no podríamos creernos Cronos si no hubiese sido así.

La labor de los actores, empezando por Enric Auqué, Diana Gómez y Mónica López, realza esa credibilidad que transmite la película. González Molina la describe así: “es muchas cosas: es un thriller, una película intensa de acción, pero también un drama sobre personas enfrentadas a situaciones extraordinarias, una película sobre uno de los acontecimientos más impactantes de nuestra historia reciente”. Cronos nos supone una superposición de emociones y llama a la reflexión sobre como una acción como ese atentado puede destrozar la labor de cohesión comunitaria que han llevado a cabo durante muchos años profesores y educadoras sociales, como la que aparece deseperanzada viendo como se va al traste su trabajo con unos chicos que de jugar con sus compañeros de repente aparecen convertidos en asesinos.

Nadie en Barcelona olvidará aquel 17 de agosto de 2017. Nadie en Barcelona debería perderse esta película. Y muchos en otras ciudades de todo el mundo deberían ver ese homenaje que González Molina hace a una Barcelona, a la que se mudó su familia materna hace más de cincuenta años y donde ha filmado muchas de sus películas. Dice que es la más ambiciosa y compleja de las que ha dirigido hasta ahora. Barcelona, los barceloneses tenemos que agradecerle el mimo y el tacto con el que ha tratado uno de los momentos más tristes de su historia reciente. Sigue siendo una ciudad de paz, como reza el rótulo con el que nos despide Cronos.

La Rambla seguirá llena de gente este 4 de setiembre cuando la película se estrene en todos los cines.

                           El director de 'Cronos', Fernando González Molina