Detesto a los malditos nazis, pero ¿qué soy yo?

 

‘NAZA’ se estrena en los cines de nuestro país el próximo 9 de octubre después de su gran acogida en los festivales de Venecia y San Sebastián. En el primero se llevó el premio del jurado y 25 minutos de aplausos tras su pase. En el segundo recibió el premio del público a la mejor película extranjera. Es evidente que seguirá cosechando premios y aplausos allí donde concurse o se proyecte. La valentía de sus directores -Yuval Abraham y Rachel Szor- se merecen eso y mucho más.

Abraham y Szor ya conocen lo que es el reconocimiento internacional. Obtuvieron el año pasado junto a codirectores palestinos el Óscar a la mejor película documental con ‘No other land’. Ahora se han atrevido, en coordinación con el periódico británico The Guardian, a poner al descubierto los asesinatos de civils cometidos por el ejército de su país. De eso va ‘NAZA’.

‘NAZA’ es un acrónimo militar hebreo que se refiere a los daños colaterales cometidos en los ataques y bombardeos en los que mueren civiles. La película está construida en base a entrevistas a veinticuatro oficiales y soldados de la Inteligencia militar israelí que aceptaron hablar con la condición de que permanecerían en el anonimato más absoluto. Todos participaron en la vigilancia o eliminación a distancia de civiles palestinos en Gaza. Su físico y voz fueran alterados digitalmente para esconder su identidad. Pese a esas distorsiones, uno teme que el aparato militar y de espionaje del gobierno de Israel puede identificar y castigar a los que divulgan las atrocidades cometidas contra la población civil palestina.

Por otro lado, los directores son quienes más han arriesgado en este valiente documental. Las amenazas de muerte les han llovido desde su país. Y son para tenerlas en cuenta, conociendo quien dirige Israel y esa acción militar contra Palestina, que uno de los entrevistas no duda en calificar de genocidio.

Las dificultades para realizar ‘NAZA’, que se puso en marcha poco después del terrible ataque de Hamàs en Israel que supuso el asesinato de casi 1.200 personas y el secuestro de otras 250, las explican así sus directores: “La campaña de bombardeos en Gaza, considerada como una de las más letales de la historia moderna en cuanto a civiles abatidos, empleó a personas que trabajaban en unidades militares secretas. Nos llevó meses localizar a las personas adecuadas, que a su vez tardaron mucho en aceptar hablar a cámara. En el ejército hay una descentralización del deber: cada oficial es responsable de una parte de la cadena de destrucción, y las consecuencias de una operación se reparten entre varias personas, incluso unidades. Por eso no bastaban unas cuantas fuentes; era necesario encontrar al menos veinte. También debimos tener en cuenta la seguridad, ya que el ejército no les había autorizado a hablarnos y arriesgaban mucho al hacerlo”.

“Detesto a los malvados nazis, pero ¿qué soy yo?”, se pregunta uno de los entrevistados desde la oscuridad de la noche en la terraza de un edificio desde el que se divisan las luces de Tel Aviv.

Y explican así la razón de realizar este documental que marcará sus vidas: “A finales de 2023, después de la matanza perpetrada por Hamas el 7 de octubre, vimos cómo los líderes de nuestro país, con el apoyo de la prensa tradicional y gran parte de la población, normalizaban la idea de un genocidio de la población gazatí: en Gaza no viven civiles inocentes, únicamente “animales humanos” que no merecen vivir. Comprendimos rápidamente que estas ideas ya se traducían en acciones militares. Lo más correcto era rodar una película en torno al sistema y a sus entresijos, ya que esos crímenes los cometían personas de nuestra sociedad en nuestro nombre. Creemos que la película muestra que la masacre de civiles en Gaza no es solo una consecuencia indirecta de la guerra, como han dicho numerosos medios, sino una acción premeditada, calculada e intencionada surgida a partir de decisiones israelíes”.

“La verdad acerca del horror en Gaza era obvia para muchos, y en nuestra opinión debería haberlo sido para todos desde el principio del ataque por parte de Israel gracias a los testimonios de palestinos que se atrevieron a documentar su propia destrucción, a veces pagándolo con su vida. Pero vivimos en un mundo que tiende a no creerse a las víctimas y a restar importancia a los testimonios, y eso nos impulsó a buscar testimonios desde dentro del sistema que atacaba. Ojalá esto haga más difícil negar el crimen perpetrado y que sigue perpetrándose hoy”, concluyen Yuval Abraham y Rachel Szor.

Ojalá.

                                 Yuval Abraham y Rachel Szor

Violencia de la guerra civil y sufrimiento del colectivo gay

La película de Javier Calvo y Javer Ambrossi (los Javis) “La Bola Negra” se estrenará en los cines españoles el 25 de Setiembre. La película viene precedida de su pase triunfal en varios de los festivales más prestigiosos y ha sido aclamada por los académicos y público en general que han podido verla ya en pases especiales.

“La Bola Negra” se proyectó en la 79 edición del Festival de Cannes donde obtuvo el premio a la Mejor Dirección y acaba de ser seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en la categoría de Mejor Película Internacional en la próxima edición de los Premios Óscar, que se celebrara en los Ángeles en 2027. También ganó el Premio del Público del Festival de Toronto y ha sido recibida con entusiasmo en su presentación oficial en el Festival de San Sebastián.

“La Bola Negra” está inspirada en la obra inacabada del mismo título de Federico García Lorca, así como en la pieza teatral “La piedra oscura” de Alberto Conejero. La acción transcurre en tres momentos históricos distintos, 1932, 1937 y 2017, y explora las vidas entrelazadas de tres hombres que viven su homosexualidad en el contexto de esos momentos.  

La película cuenta con un largo cartel de sólidas interpretaciones entre las cuales, Guitarricadelafuente (en un papel central para el desarrollo de la historia), Carlos González, Milo Quifes y Miguel Bernardeau y cuenta además con Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glen Close en roles especiales. Alberto Cortés interpreta, en una breve aparición, el papel de Federico García Lorca.

 

El título se refiere al rechazo de la solicitud de ingreso en el Casino de Granada a un joven homosexual mediante una bola negra, pero no hace solamente referencia a la obra sin terminar de Lorca, sino que ilustra el dolor que, a través del paso del tiempo, sufre un colectivo marginalizado como es el homosexual. En una entrevista reciente los Javis se reconocían como muestra de ese dolor ya que se separaron mientras escribían esta película.

“La bola negra” está rodada con amplios medios, una excelente fotografía y un elaborado fondo musical en apoyo de una potente historia que ilustra claramente la violencia de la guerra civil y el sufrimiento histórico del colectivo gay a través del tiempo.

 Fotos: Julia Carballada y Carla Oset 

Mr.Josep

‘Forastera’, el prometedor paso de un corto a largometraje

 

‘Forastera’ duraba 19 minutos cuando Lucía Aleñar Iglesias lo dirigió como un cortometraje y se estrenó en numerosos festivales internacionales. Este 11 de setiembre, lo veremos en las salas de cine reconvertido en los 97 minutos que dura en su versión largometraje. Es el prometedor salto de esta madrileña a la dirección de un primer largometraje que deja un sabor agradable y hace prever una carrera brillante.

Tres barceloneses -Zoe Stein, Lluís Homar i Núria Prims- centran la atención de estas vacaciones de la protagonista en un paradisíaco entorno mallorquín. El cruce de los idiomas  catalán y castellano, con algunas incrustaciones del inglés, no se hace extraño y la directora lo justifica porque considera que le confiere naturalidad a los personajes y entiende que la lengua es un elemento más de transformación.

Como era de esperar, Homar está impecable y Zoe Stein le da fuerza al personaje que ya interpretó en el corto estrenado hace seis años. Junto a ellos hay que señalar la labor de Marta Angelat, Martina García y el sueco Nonni Ardal.

Aleñar explica así por qué decidió rodar esta ficción: “La historia nace de una inquietud que me ha acompañado desde hace tiempo: esa sensación desconcertante cuando alguien te confunde con otra persona, más aún si esa persona está muerta. Me interesaba explorar cómo esa percepción —ese “ver al otro en uno mismo”— puede afectar a alguien, sobre todo en el contexto del duelo y la adolescencia. No es una historia autobiográfica, pero sí parte de una emoción compartida. Forastera es también una exploración sobre la búsqueda de identidad en una edad en la que todo está por definir, a través de Cata, una adolescente que encuentra en su abuela fallecida un referente, una energía que la empieza a habitar. A través de ella, quería hablar del juego, de la imaginación y de cómo estas herramientas pueden ayudarnos a lidiar con la pérdida, a conectar con los demás y a transformarnos”.

‘Forastera’, que acaba de inaugurar el Atlántida Mallorca Film Fest, llega avalada por el Premio Pilar Miró a la Mejor Nueva Dirección Española en la Semana Internacional de Cine de Valladolid y el de la Federación Internacional de Críticos de Cine en la sección Discovery del Toronto International Film Festival. Se estrena el 11 de setiembre.

Cuenta con un equipo técnico en el que encontramos a la directora de fotografía Agnès Piqué (La imatge permanent), la montadora italiana Paola Freddi (Reinas, Monica), los compositores suecos Anna Von Hausswolff i Filip Leyman (The Most Beautiful Boy in the World), la directora de arte Gala Seguí (The Human Hibernation), el jefe de vestuario Pau Aulí (Polvo Serán), la jefa de sonido Nora Haddad (Una quinta portuguesa), las diseñadoras de sonido Ulrika Akander (Bridgerton, Transformers One), Therese Gylfe, Tove Lidman (The Dog), el ayudante de dirección Dani Torrejón (Quest) y la directora de producción Bàrbara Ferrer (El ventre del mar).

Es una coproducción entre España, Italia y Suecia, donde participan las productoras catalanas Lastor Media, Vilaüt Films, Presenta, Deliris, las productoras baleares La Perifèrica Produccions y Bastera Films, la productora italiana Kino Produzioni y la sueca Fox in the Snow. 

Cuenta con la participación de 3CAT, RTVE, IB3, Filmin y el apoyo de ICAA, ICEC, Creative Media Europe, Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura, Swedish Film Fund, Fundació Mallorca Turisme, Consell de Mallorca, Mallorca Film Commission, Artekino, Göteborgs Stad.

                                                Lucía Aleñar Iglesias, directora de 'Forastera'

Imaginación y provocación al servicio de la causa gay

 “Jim Queen” es una película que no puedo recomendar para quienes siguen encallados en el mundo antiguo de familias heterosexuales que aún conciben la homosexualidad como algo enfermizo, fuera de la normalidad. Nicolás Athané y Marco Nguyen nos pintan un mundo gay en el que, de repente, un misterioso virus, Heterosis, afecta a esa comunidad. El virus convierte en heterosexuales a los hombres gays. Esa enfermedad pone en estado de schock a esa comunidad. Solo un doctor puede conseguir el antídoto para frenar esa evolución y vemos como Jim Queen, un ídolo físico del mundo gay afectado por el virus, intenta localizar a ese médico para detener el proceso.

Música y animación se combinan acertadamente para mantenernos enganchados a la historia cuyo protagonismo comparten Jim Queen y Lucien, el hijo de una ministra del gobierno francés que se resiste a confesarle su evidente homosexualidad.

En el Festival de Cannes supuso una agradable gran sorpresa. Llevaba muchos años cocinándose. Así lo explica Simon Balteaux, uno de sus coguionistas: “Cuando empecé a escribir el guion, hace siete años, tenía 35 años y por fin me sentía bien conmigo mismo. La primera idea era destacar la vida gay mediante una sátira en la que se daría la vuelta a todo. Empezaron a salir chistes sobre los heteros, pero eran tonterías. Nos dimos cuenta de que implicaban preguntas sociales muy interesantes, aunque todo seguía siendo bastante inocente. Pasaron los años hasta el estreno de la película y me di de bruces con la realidad cuando en Senegal se aprobó una ley para reprimir la homosexualidad. De golpe, los chistes ingenuos se convierten en políticos. Y no es buena señal, incluso es flipante; significa que somos militantes a nuestro pesar. Solo queríamos reír un rato con el hecho de que los heteros viven de una forma y nosotros, de otra”.

Nguyen considera que la película llega en un momento oportuno: “Siento que hay una creciente invisibilización de los personajes gay o queer: recortes de subvenciones, relegación en las plataformas… Nada de eso existía cuando empezamos con el guión, entonces estábamos en una fase inversa. Es verdad que puede despertar la polémica, pero nuestra intención es positiva, buscamos una buena convivencia con una buena dosis de humor que espera ser irresistible. Creo que el humor es la mejor arma para hacer frente al mundo de hoy”.

Es evidente que a asociaciones de ultraderecha como Abogados Cristianos no les gustará, pero a la gente con la mente abierta y ganas de construir sociedades tolerantes les resultará interesante ver “Jim Queen”. Lo podrán hacer a partir del próximo viernes 4 de setiembre.  

Cronos. Un puñetazo de dolor, emociones y buen cine

 

Este 17 de agosto se cumplieron 9 años del atentado en La Rambla de Barcelona cuando, pocos minutos antes de las cinco de la tarde, una furgoneta bajó a gran velocidad desde su parte superior, en plaza Catalunya, atropellando a las personas que paseaban por ella. Fue un atentado terrorista que conmocionó a la ciudad y al mundo, con el balance de 15 muertos y cerca de 300 heridos. Los mossos d’esquadra pusieron en marcha un dispositivo llamado Cronos para evitar que el terrorista huyera de la ciudad.

Cronos no pudo contener al asesino, que escapó por la avenida Diagonal tras atropellar a una pareja de mossos que ejercían un control en esa vía a la salida de la ciudad. Cronos fracasó en ese dispositivo y Fernando González Molina lo reproduce en la excelente película que lleva ese nombre y que se estrena en las salas de cine el próximo 4 de setiembre.

Todos los barceloneses recordamos donde estábamos a la hora en que se produjo el atentado. Yo había quedado con una amiga un poco más tarde en el bar Zurich, a unos pocos metros del lugar por donde entró a La Rambla la furgoneta que causó la tragedia. Ver la película nos devolverá la vivencia que tuvimos en aquel momento. González Molina reproduce lo que pasó con la perfección con que la ha reconstruido el guionista Alberto Marini a partir del árduo trabajo de documentación de los periodistas Nacho Carretero y Arturo Lezcano.

A la credibilidad de esa reconstrucción contribuyen en gran medida los responsables de la producción de Cronos. Así lo describen ellos mismos: “Cronos ha sido un proyecto de una complejidad poco habitual, tanto por su dimensión logística como por la enorme responsabilidad ética que implicaba abordar un acontecimiento real, reciente y profundamente doloroso para la ciudad de Barcelona: los atentados de agosto de 2017. Desde el inicio, el objetivo compartido por todos los departamentos fue construir una representación honesta, humana y respetuosa de los hechos, evitando cualquier forma de sensacionalismo y situando siempre a las víctimas y a la comunidad en el centro del relato”. No fue fácil rodar en unas Ramblas siempre llenas de gente, pero lo consiguieron y para quienes las recorremos a menudo y vivimos de cerca el atentado no podríamos creernos Cronos si no hubiese sido así.

La labor de los actores, empezando por Enric Auqué, Diana Gómez y Mónica López, realza esa credibilidad que transmite la película. González Molina la describe así: “es muchas cosas: es un thriller, una película intensa de acción, pero también un drama sobre personas enfrentadas a situaciones extraordinarias, una película sobre uno de los acontecimientos más impactantes de nuestra historia reciente”. Cronos nos supone una superposición de emociones y llama a la reflexión sobre como una acción como ese atentado puede destrozar la labor de cohesión comunitaria que han llevado a cabo durante muchos años profesores y educadoras sociales, como la que aparece deseperanzada viendo como se va al traste su trabajo con unos chicos que de jugar con sus compañeros de repente aparecen convertidos en asesinos.

Nadie en Barcelona olvidará aquel 17 de agosto de 2017. Nadie en Barcelona debería perderse esta película. Y muchos en otras ciudades de todo el mundo deberían ver ese homenaje que González Molina hace a una Barcelona, a la que se mudó su familia materna hace más de cincuenta años y donde ha filmado muchas de sus películas. Dice que es la más ambiciosa y compleja de las que ha dirigido hasta ahora. Barcelona, los barceloneses tenemos que agradecerle el mimo y el tacto con el que ha tratado uno de los momentos más tristes de su historia reciente. Sigue siendo una ciudad de paz, como reza el rótulo con el que nos despide Cronos.

La Rambla seguirá llena de gente este 4 de setiembre cuando la película se estrene en todos los cines.

                           El director de 'Cronos', Fernando González Molina

 

“HERMANOS”, amistad frente a prejuicios de clase

 

A primeros de Julio se estrenará en cines la película “Hermanos”, escrita y codirigida por las hermanas Rodríguez Colás, Carol y Marina. “Hermanos” es una comedia dramática sobre tres adolescentes de barrio que son invitados a una fiesta en una mansión de la zona alta de Barcelona.

La película, que se rodó entre Barcelona y L’Hospitalet de Llobregat, narra el descubrimiento por parte de los tres jóvenes de una realidad en la que no es fácil escapar a los prejuicios de clase y en la que a veces (muchas) no se cumplen las expectativas de ascenso social. Una historia de amistad en la que esos amigos descubrirán que no siempre querer es poder, si no que lo importante es con quién se recorre el camino.

Las hermanas Rodríguez Colás vuelven a acercarse a la vida de barrio con una clara  mirada a la inmigración y la integración en la sociedad de las segunas generaciones de migrantes. La película se inscribe claramente en el ciclo iniciado con su anterior filme “Chavalas” en el que una chica debía volver a su vecindario natal junto a sus padres. El encuentro con sus tres amigas de toda la vida les permitía reflexionar sobre la vida y la amistad que las unía.

En “Hermanos”,  Ayman y sus amigos, Eric y Robert, dejan atrás el barrio para emprender un viaje que les enfrentará a sus miedos y pondrá a prueba su amistad. 

Las directoras explican cómo la mirada sobre su barrio permite ver la llegada de nuevas generaciones que, aunque chocan con los viejos prejuicios, claramente afirman el orgullo de sus origenes y muestran sus ambiciones.

Si os gustó el acercamiento a la vida de barrio de“Chavalas” (y os reísteis con su lado cómico) no dejéis de ver “Hermanos” quizás con un enfoque más de enfrentamiento de clases pero iguamente optimista y interesante.

                                             Las directoras, Carol y Marina Rodríguez Colás

Mr.Josep

“Viaje al país de los blancos”, alegato a favor de la “prioridad humana”

 

En unos tiempos en que la extrema derecha pretende cerrar las puertas a los inmigrantes y refugiados, el estreno de “Viaje al país de los blancos” supone un alegato a favor de la humanidad, la solidaridad y el respeto por las personas que arriesgan sus vidas para hacer realidad sus sueños en países como el nuestro. La historia personal que nos cuenta esta película, fiel reflejo de la tragedia que acompañó a Ousmar Umar en su camino a España, nos obliga a darnos cuenta que antes que la “prioridad nacional” que exigen algunos hay una “prioridad humana” que debería definirnos como gente de buena fe.

El próximo 26 de junio se estrena esta película que narra la historia del niño de un pequeño poblado de Ghana que, movido por la curiosidad y el deseo de aprender, realizó un largo y peligrosísimo periplo cruzando el desierto africano y el mar Mediterráneo hasta llegar a nuestro país. Muchos de los que le acompañaron en aquel viaje terrorífico murieron en el trayecto.

“Esta película nace del deseo profundo de contar con verdad una realidad que a menudo no conocemos —o no queremos ver”, explica su director, Dani Sancho. Esa es una de las razones no sólo para verla sino para promocionarla y para enseñársela a quienes únicamente ven a los inmigrantes como enemigos que vienen a robarnos trozos del estado del bienestar del que disfrutamos. Curiosamente son esos mismos que, cuando gobiernan los que coinciden en sus ideas, lo primero que destrozan es ese estado del bienestar.

Ousman Umar tiene tres caras en la película. Desde la del niño que sale de Ghana hasta el que se instala en Barcelona tras unos inicios difíciles hasta el que acaba poniendo en marcha la ONG Nasco Foundation para ayudar a la escolarización y formación de los niños y niñas de su pueblo natal. El propio Umar encarna a este último. Benjamin Kakraba y Víctor Sey son quienes interpretan y dan credibilidad al Umar niño y adolescente. Junto a ellos, Emma Vilarasau borda como siempre el papel que le corresponde bien acompañada por Jordi Bosch.

“Ver mi historia convertida en película es un sueño que trasciende lo personal: es la voz de miles de jóvenes que, como yo, emprenden viajes imposibles en busca de oportunidades. Este proyecto no solo visibiliza nuestra resiliencia, sino que invita al mundo a mirarse en el espejo de las migraciones con humanidad y esperanza. Es un llamamiento al mundo entero a acompañarnos en nuestra misión de alimentar mentes en origen, mediando la educación digital. Es decir, la solución de la migración forzada pasa por crear  oportunidades de trabajo en  origen, tal como lo hacemos a través de los proyectos de Nasco Foundation”, cuenta el protagonista real de la historia que vemos en pantalla, Ousmar Umar.

El productor y director de cine Ibon Cormenzana también está detrás de este “Viaje al país de los blancos” con Mundo Cero. “Con este proyecto, no solo apostamos por un cine de autor comprometido, sino por dar voz a nuevas miradas que desafían y enriquecen nuestra manera de ver el mundo”, dice y afirma que “no solo refleja el drama de la migración, sino también una poderosa historia de superación, dignidad y transformación”. Tras la película, que inauguró la pasada edición del BCN Film Fest y se presentó en el Festival de Málaga fuera de concurso, también están Atresmedia Cine, A Contracorriente Films, Arcadia Motion Pictures y Noodles Production.

Ousman Umar es contundente y claro cuando resume el sentido de la película y del libro por él escrito en la que se basa: “Necesito contar mi historia hasta que no haya más historias como la mía por contrar”. Añadiría que mientras haya historias como “Viaje al país de los blancos que contar” sepamos abrir nuestro corazón y nuestra sociedad a quienes las sufran.

                                  El director Dani Sancho con los tres Ousman Umar del film

CADA DÍA NACE UN LISTO

 

El 5 de junio se estrenará en cines la nueva comedia de Arantxa Echevarría “Cada día nace un listo”. La película está protagonizada por Hugo Silva, acompañado por Susi Sánchez, Dafne Fernández y Diego Anido, y cuenta con las colaboraciones especiales de Belén Rueda, Pedro Casablanc y Gonzalo de Castro. Cuenta con un guion de la propia Echevarría y Patricia Campo ('La isla interior', 'Los años desnudos') y está producida por Atresmedia Cine y LAZONA en coproducción con Lamia Producciones.

Arantxa es directora, guionista y productora de cine y televisión. Autora de varios cortometrajes, su primer largometraje, “Carmen y Lola”, fue seleccionado por el Festival de Cannes en la Quincena de Realizadores y obtuvo el Goya a la Mejor directora novel.  

 Sus películas han cosechado multitud de premios y reconocimientos y destaca todavía el éxito de sus obras más recientes, “Chinas” y  “La infiltrada”, que recibió en 2025 el Goya al mejor guion original y fue un éxito de público en España.

Tras el éxito de “La infiltrada” Echevarría cambia de género y en “Cada día nace un listo” presenta una película a caballo entre la comedia y el “thriller”. Una sátira de acción desenfrenada y gamberra, retrato de una sociedad marcada por la lucha de clases y la obsesión por el dinero a cualquier precio. Una comedia negra en la que la ambición, la picaresca y las apariencias protagonizan el choque entre los más ricos y una serie de desamparados que viven a salto de mata.

En la película, Toni Lomas (interpretado por un desacomplejado Hugo Silva) es un cantante que no tiene donde caerse muerto pero está convencido de que su suerte va a cambiar cuando el hijo de un rico empresario le propone que robe un valioso cuadro de la casa familiar. Para dar el golpe Toni se rodea de una serie de personajes marginales que persiguen sus propios intereses individualmente, dando lugar a todo tipo de enredos y persecuciones.

“Cada día nace un listo” es una sátira de la condición humana y la sociedad de nuestros días en que la misma ambición corroe a los pobres, que trapichean por unos euros y a los más ricos, que especulan con millones.

Con esta película Arantxa Echevarría ha continuado por la senda del “thriller” y del suspense, pero desde la perspectiva de la comedia negra y la crítica social. “Cada día nace un listo” está rodada con un ritmo muy rápido y una estética a veces oscura, aunque en realidad es una comedia (bastante negra a veces).

Mr.Josep

                             Arantxa Echevarría y Hugo Silva